En 1868 Cruces y Campa tienen éxito con su fotografía, (gráfica tecnológica).
fue una de las firmas más famosas entre el gremio de profesionales establecido en la década de 1860, cuando surgió un novedoso formato para el retrato: la tarjeta de visita, que propició la reducción de costos y una amplia circulación. El estudio fue fundado en 1862 por Antíoco Cruces y el profesor de grabado Luis Campa en la Ciudad de México, primero en la calle de San Francisco y luego en la del Empedradillo, a un costado de la Catedral Metropolitana. La firma se mantuvo durante quince años y posteriormente Cruces se hizo cargo del negocio; sin embargo, todo indica que su ex socio fundó un nuevo estudio, Campa y compañía, que figura en 1903. Mientras laboraron juntos, por sus salones circularon los más destacados personajes de las sociedad y la política mexicana, especialmente los vinculados al partido liberal. Aunque también fotografiaron a la elite del Segundo Imperio.
Ambos autores estudiaron en la Academia de San Carlos, donde Campa impartió la cátedra de grabado.
El Diseño Gráfico se vio afectado o más bien, enriquecido a partir de la llegada de Lance Wyman en las olimpiadas de 1968.
Lance Wyman
Lance Wyman es un extranjero que fue contratado en 1966 para crear el logotipo de las olimpiadas de 1968. En México no existía como tal el Diseño Gráfico, sino que existía el dibujo publicitario y carteles de películas. Existía la necesidad mexicana de expresar con las imágenes. En la época del 68 no se usaba el mezclilla, todo era mucho más colorido. Según Lance en México hay 5 colores que están en todo:
Azul cobalto
Verde esmeralda
Amarillo
Rojo
Rosa mexicano
Tuvo un gran problema a la hora de desarrollar el diseño del logo, ya que tenía que hacer que el logotipo llamara la atención de todo el público y todas las edades. Para ello Lance en sus viajes por México, alguna vez se topó con un lugar donde había artesanía huichol y eso fue un punto muy importante para que él tuviera la idea de desarrollar el logo de las olimpiadas del 68.
Ahora, Lance Wyman no sólo se encargó del Diseño del Logo del 68, sino también desarrollo iconografía y señalética de cada uno de los deportes que habrían en las olimpiadas, y para ello, obviamente al observar los deportes, el identificaba la parte más importante, la más reconocible para hacerla imagen, y todo mundo las ubicara.
Nombre: Símbolos deportivos para México 68.
Autor: Lance Wyman
También Lance Wyman se dedicó a realizar algunos timbres, y estos mantenían su estilo muy parecido al de las tablas Huicholes.
Nombre: Timbre postal 50c
Autor: Lance Wyman
Y ya para finalizar un poco sobre el trabajo de Lance, también realizó el Diseño para alguna de las paradas que hay en el metro de la línea 1:
Nombre: Estaciones del metro línea 1
Autor: Lance Wyman
Pop Art.
El Pop Art surgió como reacción al Expresionismo Abstracto a partir, fundamentalmente, de un cambio de fuentes: las raíces surrealistas de aquel movimiento se sustituyeron por las dadaístas del Pop, dado el interés de sus precursores por las fronteras del arte y por Duchamp, el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías o museos.
El arte óptico pretende producir efectos de relieve, profundidad o movimientos de formas geométricas sin recurrir al relieve ni a la animación real de las superficies. Los artistas de esta tendencia centran su trabajo en el estudio de las relaciones entre color y espacio con el fin de provocar vibraciones retinianas, para conseguir finalmente una experiencia física en el espectador. Esto se consigue a través de la seriación, es decir en la repetición ilimitada de un módulo formal.
José Clemente Orozco. Su obra es considerada de vanguardia ya que él rompe el formato de la galería privada, de colección, es decir que lleva el arte al publico en general.
A comparación de otros muralistas como Diego Rivera, Orozco no trata de festejar lo acontecido durante la Revolución Mexicana, al contrario trata de ser lo mas realista y simbólico.
Orozco trata de representar la violencia implícita en la revolución y dice que los que pagan las consecuencias son «los de abajo», la gente de posición social baja. Podemos considerar a Clemente como un pintor anarquista.
José Clemente Orozco, «El hombre de fuego», 1937-1939.
José es uno de los muralistas que regresa a las iglesias a pintar. Fue un critico de de la revolución y de los politicos latinoamericanos corrompidos por los Estados Unidos.
Vanguardismo Vanguardia significa innovar o modificar la cantidad de reglas que estaban establecidas por los movimientos anteriores. Es la tendencia a introducir elementos innovadores a las formas tradicionales o convencionales. El Vanguardismo es un movimiento que surge en el siglo XX y cuya característica principal es la libertad de expresión, tocando temas prohibidos o desordenando los parámetros ya establecidos. Entre sus principales características se encuentran:
Nueva forma de percibir la realidad y el espacio.
Una realidad en constante cambio por las innovaciones tecnológicas.
Provocar un impacto en el espectador por medio de colores estridentes, figuras nuevas y originales.
Utilización de nuevos materiales.
Expresionismo Tiene un matiz pesimista, es la deformación de la realidad, deformaba la realidad para representarla de formas más subjetivas, se quieren mostrar emociones o sentimientos, algo que ilustre la naturaleza y al ser humano. Se tocan temas oscuros, la amarga existencia, donde el individuo está a la deriva de la sociedad moderna por la industrialización.
Kirchner Ernst Ludwing Kirchner
En 1905 nace en Dresde «un puente para sentar las bases de un arte de futuro». El grupo Die Brücke, liderado por Kirchner, pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista. Un poco de crítica social los convirtió en enemigos número 1 de la juventud alemana… y ya sabemos lo que le gusta a la juventud los enemigos Nº1. El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.
Donne en Potsdamer Platz
Resalta la miseria y el dolor de la sociedad, ahuyenta la luz y prefiere una monocromía.
Gran teórico y maestro del arte abstracto, la riqueza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo esencial del arte, no es una simple imitación de la naturaleza, que es de por si insuperable. Kandinsky pintó obras de tres categorías: las impresiones (inspiradas en la naturaleza), las improvisaciones (expresiones de emociones internas) y las composiciones (de gran rigor compositivo aunque basadas en la pura intuición). Líneas negras agrupadas junto a vivos colores, geometrías, motivos decorativos eslavos y formas en armonía.
Edvard Munch
Pintor de la angustia, el miedo, la enfermedad, de la muerte. Para el esto representaba la «belleza», porque del mismo modo que Da Vinci disecciono cuerpos, Munch disecciona almas. Retrato al hombre moderno en su sufrimiento existencial.
El humano moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. Es un mensaje universal, que trasciende de sexo, raza y nacionalidad. Es considerado un de los cuadros más importantes de la historia del arte. Munch se inspira en su propia vida atormentada, una tragedia sobre un padre severo, una madre muerta y unas hermanas enfermas, trastornos bipolares y depresión, alcohol y armas de fuego.
Fauvismo – Fovismo Liberar al color con respecto al dibujo, ignorar claro oscuro y perspectivas, expresar sentimientos. Como buen artistas de vanguardia quieren liberarse de lo anterior y no ser sumiso ante la herencia pictórica. Aplicando el color rápido y vigorosamente, dotando a la obra de espontaneidad.
Henri Matisse Revoluciona la forma de utilizar el color, es un pintor más radical. Fue influenciado por el arte primitivo y africano. Tenía una debilidad por las mujeres, pero simplemente prefería observarlas.
La línea verde Matisse pinta a su mujer haciendo caso omiso de todas las reglas de la tradición cromática. El color es absolutamente novedoso, pero no es que la modelo fuera así, sino que el artista así la percibía.
En realidad en el cubismo no hay cubos, sino todo lo contrario, el cubismo consiste en captar la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad. Lo que en realidad querían los artistas como Picasso y Braque, inspirados en Cézanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Un ejemplo caro sería como desdoblar una caja de cartón, extenderla para mostrar todos sus lados a la vez.
Pablo Picasso
Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción… y por este inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más famoso de la historia del arte. Picasso no pierde vigencia porque fue la figura central de todo el arte del siglo XX, un artista experimental pero ligado al pasado y con una obra que continuamente admite nuevas lecturas. Fue quizás también el artista más influyente. El arte contemporáneo es lo que es gracias (o por culpa) de él.
En este cuadro podemos ver que ya no tiene ni perspectiva ni proporción, se encuentra fragmentada la pintura, es una estética de lo grotesco, de la distorsión. Inspirado en el arte africano realiza ésta peculiar e innovadora pintura, con elementos fuera de serie. «Las señoritas de Avignon» es en realidad «Las señoritas de la calle de Avinyó», una calle de Barcelona donde abundaban los burdeles. Picasso nos muestra en esta obra a cinco prostitutas barcelonesas y lo hace de un modo inédito hasta entonces, lo hace al estilo cubista.
Juan Gris Fue el maestro del cubismo sintético quien introdujo el método de praxis cubista, por medio de formas claras y regulares, agregando color en ritmos visuales y armonías elegantes. Se enfoca en las formas que tiene la naturaleza por medio de figuras geométricas, usa colores y sombras, no se aprecia la perspectiva tradicional, perspectivas múltiples, profundidad, utiliza grises, verdes y marrones, da importancia al movimiento, descubre la naturaleza muerta por medio de colores monocromos principalmente claro – oscuro.
Georges Braque Anteriormente fue pintor de brocha gorda como su padre y miembro del fauvismo, pero al conocer la pintura de Cézanne y sobre todo la de Picasso, cambio su estilo. Pero a diferencia de Picasso que retrataba la figura humano, Braque prefirió la naturaleza muerta, introdujo novedades revolucionarias como el empleo del collage o la incorporación de caligrafías y números. El collage de Braque incluía de todo, periódicos, revistas, etiquetas, etc.
Una revolución cultural nace y esta va de las maños con la Revolución Mexicana. Las adelitas del tren vendrán a ser las mas reconocidas y una copia fiel del México de este tiempo.Con Jose Maria Jara (1866-1939), pintor mexicano de Orizaba, Veracruz, estudio en la Academia de San Carlos nace una nueva pintura que representa el presente.
Sin embargo son los escultores quienes inician el siglo con su «nueva sensibilidad», un ejemplo claro es el escultor Jesús Contreras (1866-1902), su obra maestra:
Como se pude ver una característica de la escultura del siglo XX es que el cuerpo de la mujer ya no es escondido en la escultura como solía serlo en el siglo XIX. El mejor ejemplo es «Depues de la orgia de Fidencio Nava (1869-1938).
La pintura nacional en el siglo XX se centra en la cultura popular y la mayoría de los artistas eran artistas no académicos. La pintura era moderna (modernismo) y se centraba en retratar el presentes decir lo que acontece en el momento.
Julio Ruelas. (Zacatecas, 1870-París 1907), uno de los mejores dibujantes de la época de estilo gótico, estudia en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos en donde recibiría una beca de movilidad a Francia donde permanecería un año.
Germán Gedovius. (Ciudad de México, 1867- 1937) un artista que es sordo, generalmente pintaba retratos y paisajes al aire libre, uno de los máximos exponentes del impresionismo del siglo XX. Comienza con pinturas de temas íntimos y su pintura se hace mas grande, «Desnudo barroco» sería una de sus grandes obras y es el cuarto desnudo de una mujer pintado en México.
Saturnino Herran.(Aguascalientes, 1887-Ciudad de México, 1918) representa un orgullo popular en los retratos mexicanos, ademas de que utiliza una buen paleta de colores.
Ángel Zarraga. (Durango, 16 de agosto de 1886 – Cuernavaca 22 de septiembre de 1946). Fue un pintor no muy reconocido en México, pero si en Francia, y muy bueno de la academia, también era conocido su estilo, por que en algunos cuadros se dibujaba el mismo.
Ángel Zarraga, Ex-voto de San Sebastián y adorante.
Diego Rivera (Guanajuato, México, 8 de diciembre de 1886-Ciudad de México, 24 de noviembre de 1957) Modernista. Estudia en la escuela de Bellas Artes de San Carlos. Se va becado a España.Y se la pasa mucho tiempo allá, incluso en Europa se vuelve conocido, llega a conocer a celebridades como Picasso, dibuja cubismo, impresionismo y aprende nuevas técnicas Europeas.
Marius de Zayas (Veracruz, México, 13 de marzo de 1880 – Stamford, Connecticut, Estados Unidos, 10 de enero de 1961) Le brindó una nueva y cosmopólita sofisticación al arte de la ilustración. Escribió también la historia del surgimiento del arte moderno en Nueva York.
Cuando se deja de retratar el pasado mexicano significa que las perdonas ya se han dado cuenta por los cambios que ha pasado el país. Las formas de expresión evolucionan mientras que el hombre también lo hace.Algunos de los representantes de la cultura popular en México fueron: José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 1882-ciudad de México, 1913), «grabador, ilustrista caricaturista, celebre por sus dibujos de escenas costumbristas, folclóricas, de critica socio-política y por sus ilustraciones de calacas o calaveras».
José Clemente Orozco (Jalisco, 1883-Ciudad de México, 1949), muralista y litógrafo. Antes del muralismo Orozco ilustra que los académicos aun no se atrevían como los horrores de la revolución.
Ernesto Garcia Cabral «(Veracruz, 1890-Ibídem, 1968), dibujante y pintor famoso por sus contribuciones, famoso por sus contribuciones como caricaturista a la publicación Revista de Revistas».
José Clemente Orozco, «Don Francisco I. Madero como esperábamos verlo…como en realidad lo vimos», 1911.
Miguel Covarrubias. Se centra en lo que estaa de moda , muestra como es la identidad del pueblo mexicano. Ilustrador de la vida nocturna estadounidense, su talento lo lleva a trabajar al Vanity Fair.
Leopoldo Méndez (Ciudad de México, 1902-1969), «artista plástico, considerado el grabador mas importante de Mexico Contemporaneo». Muestra la muerte y el poder que hay en el México de aquel entonces.
Leopoldo Méndez, “Amenza sobre México”, Litografía, 1937.
Jean Charlot (1898-1979), «pintor francés activo en México y en Estados Unidos». En sus inicios trabajo como el asistente del famoso muralista Diego Rivera.
Jean Charlot, «Masacre en el Templo Mayor», 1922-1923.
En el corazón de la Ciudad de México se erige un templo de carácter católico, que a simple vista puede pasar desapercibido pero cuenta con una historia fantástica que lo hace destacar entre las demás edificaciones del Centro Histórico. Su construcción data del siglo XVII, cuenta con la portada de la primera Catedral de México, la cual se mandó realizar en el siglo XVI y es uno de los pocos detalles arquitectónicos de aquella época que aún prevalecen en la capital.
En 1524, Hernán Cortés mandó fundar un hospital en Huitzilac, una zona cuyo topónimo en náhuatl quiere decir “lugar de colibríes”. Se dice que cerca de aquel paraje se dio el afamado primer encuentro entre Moctezuma y el conquistador español.
Fue Alfonso Pérez de Castañeda quien dio inicio a la construcción de la iglesia, que se levantó junto al hospital en 1601. No obstante, dicho predio permaneció en obra negra hasta 1662. No fue hasta 1665, cuando se nombró al capellán de la iglesia, que se decidió culminar el templo y dedicárselo a Jesus Nazareno.
De manera oficial, la iglesia abrió sus puertas en 1668. Pero durante las siguientes décadas se siguieron levantando torres, bóvedas y techos que le otorgaron una identidad propia a la edificación. Un ejemplo de esto fue la fachada lateral renacentista, que se hizo en el siglo XIX por el arquitecto italiano José Besozzi. De igual manera, el templo es conocido por contar con un asombroso mural de José Clemente Orozco. Pero si algo sobresale de la historia de este edificio es su relación con los restos de Hernán Cortés.
Tras su muerte, el español fue enterrado en Sevilla. No obstante, Cortés había ordenado en vida que sus restos fueran llevados a la Nueva España. Primeramente, fueron trasladados a la Iglesia de San Francisco, en Texcoco. Tiempo después se depositaron en otro templo aledaño. Para el siglo XVIII fueron llevados al Templo de Jesús Nazareno, sitio donde Manuel Tolsá realizó un mausoleo y un busto para el conquistador.
Al estallar las batallas de Independencia, varios amenazaron con destruir la tumba y quemar el cadáver. Para evitar esto, mandaron a exhumar el cuerpo de Cortés, y escondieron los restos bajo el altar mayor de la parroquia. Pronto se pasaron a un nicho, sin inscripción para que nadie sospechara de su paradero.
No fue hasta 1946 que se encontraron de nuevo los restos, y un año más tarde de confirmar su autenticidad fueron regresados al muro del Templo Jesús Nazareno, donde finalmente se colocó una placa conmemorativa. Resulta interesante pensar que en el corazón de la ciudad yace el conquistador que cambió el curso de la Ciudad de México para siempre.
Los arquitectos fueron Pedro Ramírez Vázquez y Rafael Mijares, el estadio fue construido para los Juegos Olímpicos de 1968 y la fase final de la Copa Mundial de la FIFA 1970.
La Arquitectura Mexicana del siglo XIX está mirando hacía lo Europeo.
Edificio «La mexicana», Calle Madero, Ciudad de México.
Foto por: Araceli Bojorges de los Reyes.
Arquitectura barroca
Lo que define al barroco, resumidamente, es la ostentación decorativa no es algo negativo gracias al juego del claro y oscuro, que logra atenuar los posibles excesos.Además, como se trata de una noción estética muy relacionada con la religión cristiana, se puede verificar casi siempre una oposición dual de conceptos como el cielo y el infierno o el pecado y la redención.El origen de este estilo arquitectónico está en la Europa del siglo XVI, específicamente en Italia.
Las iglesias y catedrales, además de funcionar como espacios dedicados al culto religioso, fueron el lienzo donde se plasmó el arte novohispano a través de la combinación de estilos arquitectónicos y la ornamentación de sus interiores
Toma como base un estilo arquitectónico de la época, y toma en cuenta las necesidades del edificio, sin muchas ornamentaciones, más funcional y sencillo. El material que utiliza para su elaboración es cemento.
Ya no se utiliza el hierro para la construcción de edificios.
No se puede entender la arquitectura sino se habla de las decoraciones que se ponen en ellos como los murales. Intentaban tener un plus en los edificios con alguna obra de arte desde los años 20 hasta los años 60.
La arquitectura de México en esos años se separa de la arquitectura de la Bauhaus, la forma y la función van de la mano.
Este edificio se hizo inspirándose en los edificios coloniales.
Este proyecto inaugura la arquitectura moderna mexicana.
Al inicio para los mexicanos es un poco difícil acostumbrarse a espacios compactos y compartir un edificio, pero a la larga se convertirá en una muy buena solución para una ciudad con demasiada población y que de esta forma pueden cumplir sus necesidades de los habitantes.
En la conquista de los Españoles se nota cómo poco a poco iban inculcando a los Mexicanos a adoptar sus costumbres, de hecho, como es bien sabido, primero se llamó »Nueva España» tras la llegada de los mismos al »Nuevo Mundo».
1521-1821
1611- Monarquía Indiana (Libro)- Fray Juan de Torquemada
Es un libro que habla acerca de antes de la conquista española y también durante la misma.
El autor Fray Juan de Torquemada tuvo que aprender nahuatl para poder interpretar y plasmar algunas cuestiones de los Indígenas.
Debido a las construcciones y tradiciones que tenían los Indígenas, creían que hacían pactos con el diablo.
Además también plasma de como los Españoles, influyen con imágenes para poder inculcar la religión en la Nueva España.
En este libro el autor dice que las culturas indígenas ya habían desarrollado ciertas ciencias y ciertas artes.
Esta imagen nos explica un poco el como los Españoles estaban trayendo la religión a la Nueva España. Como podemos ver, es un sacerdote que está con los Indígenas y les explica unos cuadros que hablan sobre la procesión de Jesús (temas religiosos), esto obviamente convencía a los Indígenas y con ellos los educaban para que siguieran las mismas costumbres religiosas que los Españoles.
1680- Theatro de Virtudes Políticas (Libro)
Este libro habla acerca de los Cambios de Virreyes en México.
Se encarga en la Nueva España que se diseñé un arco del triunfo para el nuevo Virrey mandado de España.
Para crear el arco se propone que sea de 3 entradas y que se representen a los diversos reyes aztecas.
El Arco fue construido por D. Carlos de Siguenza y Gongora.
El nuevo Virrey cruza el arco con disgusto por el concepto que manejaron de los reyes aztecas relacionados con los rituales y sacrificios humanos, y por tal motivo ordena instantáneamente la destrucción de dicho arco.
Claudio Linati (1 de febrero de 1790 – 11 de diciembre de 1832) fue un pintor y litógrafo italiano y que fue pupilo de Jacques-Louis David en París y estableció la primera prensa litográfica en México. Fue co-fundador y editor de El Iris, periódico que publicó las primeras historietas políticas en México, y estuvo forzado para dejar el país a causa de su activismo político. Linati también estuvo implicado en causas revolucionarias en Italia y España. Es conocido por su libro coloreado a mano en el que ilustra trajes de diferentes de personas en México.
En 1521, la invasión o conquista española provocó destrucción y trauma, afectaron hondamente a Mesoamérica, pero no trajeron consigo su total desaparición.
El desarrollo de las artes visuales se lleva a cabo en el siglo XIX, la arquitectura, pintura, escultura y la gráfica.
En la gráfica destacan José Guadalupe Posada y Julio Ruelas.
La pintura mexicana del XIX es una cultura mediocre por qué no quiere perder su independencia con Europa, en cambio la del siglo XX es una pintura gloriosa.
Sueño de una tarde en la Alameda Central, Diego Rivera.
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CUADERNO DE NOTAS - CULTURA Y DISEÑO II. Trimestre 19-I Araceli Bojorges de los Reyes. DBT52 UAM-Azcapotzalco. 
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